尹景羽

画骨墨魂  自幼根植

初识笔墨时，罗永光便显露出异于常人的禀赋。孩童时期，别家孩子追着蝉鸣奔跑，他却能静坐在老宅的木桌前，对着一本泛黄的《芥子园画谱》描摹半晌。案头的毛笔换了一支又一支，砚台里的墨汁干了又添，从梅枝的虬劲到兰叶的飘逸，从竹节的挺拔到荷花的清雅，那些黑白线条里藏着他对世界最纯粹的热爱。稍长后，他不满足于画谱的范式，转而叩击唐宋古画的大门——展卷《韩熙载夜宴图》，他揣摩人物衣袂的褶皱如何藏住笔意；细品《千里江山图》，他琢磨青绿山水里的墨色层次如何衔接；临摹《写生珍禽图》，他深究禽鸟羽毛的笔触如何见风骨。那时的他还不懂“师古”的深意，只觉得那些古卷里的山水花鸟，比窗外的风景更动人，一笔一画临摹间，传统书画的基因已悄悄融进他的骨血。

  名师真传  画艺精髓

七十年代他拜师于著名书画家、篆刻家王少石先生，是他艺术生涯的重要转折。王少石先生的笔墨兼具金石气与书卷气，见他天资聪颖又肯下苦功，便倾囊相授：教他握笔时“指实掌虚”，教他运墨时“浓淡干湿”，教他篆刻时“稳准狠”，更教他“书画一道，先修人品，再练技法”。在先生的画室里，罗永光第一次见到真正的文人画——案头的宣纸铺着未完成的墨竹，旁边放着半杯清茶、一本《论语》，墨香与书香缠绕，让他忽然懂了：画不只是技巧，更是心性的流露。

此后，他又带着满心虔诚，先后求教于陈书亮、韩天衡、徐子鹤三位先生。陈书亮先生的山水重“意境”，教他“画山不是山，是胸中丘壑”；韩天衡先生的篆刻重“变化”，教他“守正方能出奇”；徐子鹤先生的花鸟重“生机”，教他“要把花鸟画活，先懂花鸟的性子”。每一次拜师，都是一次蜕变，而他始终记得：先生们从不要求他“复制”自己的画风，只劝他“多读书，多行路，多观物”。 于是，罗永光把“读万卷书”与“行万里路”刻进了艺术信条里。

师其形迹  会其真意

临摹是技法的传承，更是内力的修炼。几十年的艺术生涯，罗永光十分注重师古人之心，借古开今。他泡在图书馆里，常常对着徐渭的《墨葡萄图》发呆——那狂放的笔触、淋漓的墨色，像极了诗人“笔底明珠无处卖”的悲愤，他忽然懂了“墨有情绪”；他站在八大山人的画前，反反复复看那只翻着白眼的鸟，极简的线条里藏着孤傲与倔强，他忽然懂了“少即是多”；他临摹吴昌硕的《葫芦图》，感受金石篆刻的力道如何融入藤蔓，他忽然懂了“书画同源”；他揣摩齐白石的《墨虾》，看虾身的淡墨与虾须的焦墨如何呼应，他忽然懂了“质朴见真”。

而当代大师潘天寿、李苦禅的作品，更成了他案头的“常客”。潘天寿的《鹰石山花图》，构图大胆、气势磅礴，他反复临摹鹰的利爪、石的肌理，学的是“以小见大”的格局；李苦禅的《墨荷》，笔墨厚重、意趣盎然，他细品荷叶的泼墨、荷花的点染，学的是“形神兼备”的境界。书房里的临摹稿堆成了小山，每一张都写满“心追手摩”的执着——有时为了画好一根荷茎，他对着池塘里的荷花看一下午，看阳光如何穿过荷叶，看微风如何吹动荷茎，看雨滴如何落在荷尖；有时为了找准一块山石的墨色，他反复调试墨汁，浓了加水，淡了加墨，直到宣纸上的墨色与心中的山石重合。

外师造化  中得心源

自然为师，绘出心中意象；灵感为源，闪现艺术之光。数十年来，罗永光的足迹遍布名山大川：春日里，他去黄山，看云雾缠绕松枝，听松涛拍打着山石，把“黄山松”的坚韧刻进脑海；夏日里，他去西湖，看荷花映着湖水，听蝉鸣伴着蛙声，把“西湖荷”的清雅藏进心底；秋日里，他去雁荡山，看枫叶染红山涧，听雁鸣划过天际，把“雁荡秋”的苍凉融进笔墨；冬日里，他去江南老宅，看寒梅顶着白雪，听竹影扫过窗棂，把“江南冬”的静谧留在写生本里。他的写生本从不离身，遇到触动心尖的风景，立刻停下脚步——有时蹲在田埂上，对着一株狗尾巴草画半天，看它如何在风中摇曳；有时坐在河边，对着一只白鹭画半晌，看它如何低头啄鱼，如何展翅高飞；有时站在古树下，对着一群麻雀画许久，看它们如何蹦跳，如何叽叽喳喳，如何忽然一起飞走。那些写生本里的线条，没有刻意的雕琢，却满是自然的生机——松针的锐利、竹叶的飘逸、荷叶的舒展、梅花的傲骨，都在笔尖自然流淌，仿佛那些草木花鸟本就该是这般模样。

 博采众长  自成风貌

正是这般“博采众长，师古不泥”，让罗永光的画风逐渐成熟，尤其在写意花鸟上，走出了独属于自己的路。他笔下的梅、兰、竹、荷，早已不是简单的“复制自然”，而是“以心观物”的结晶——画梅时，他不用浓艳的色彩，只用淡墨勾出梅枝，用焦墨点出梅花，梅枝虬劲如铁，梅花清雅如雪，一笔一画里藏着“凌寒独自开”的气节；画兰时，他用中锋笔勾出兰叶，线条飘逸却不软弱，兰叶间藏着几朵小小的兰花，淡得几乎要融进宣纸里，却透着“空谷幽兰”的清雅；画竹时，他用侧锋笔扫出竹叶，浓淡相间，疏密有致，竹节挺拔如君子，竹叶摇曳似有声，仿佛能听见“竹林风”的沙沙声；画荷时，他用泼墨法画荷叶，浓墨、淡墨、破墨交织，荷叶的厚重与通透跃然纸上，荷茎挺拔，荷花淡雅，荷下藏着几尾小鱼，灵动又俏皮，让人想起“莲叶何田田”的诗意。

除了花鸟，他的山水和人物也独具特色。山水画里，没有繁复的构图，却有“咫尺千里”的意境——有时是几座远山，淡墨晕染，若隐若现；有时是一条小溪，墨色清淡，蜿蜒流淌；有时是一间茅屋，藏在竹林里，透着“世外桃源”的静谧。人物画里，没有华丽的服饰，却有“形神兼备”的生动——有时是一位老者，坐在石凳上，手里拿着一本书，眼神里满是安详；有时是一位渔翁，坐在船头，手里拿着鱼竿，嘴角带着笑意；有时是一位仕女，站在窗前，望着远方，眉宇间藏着淡淡的忧愁。无论是花鸟、山水还是人物，他都注重“笔墨意趣”——浓墨见骨，淡墨见韵，干墨见苍，湿墨见润，各种笔墨手法在他笔下收放自如，既能表现松针的锐利、山石的坚硬，也能表现荷叶的柔软、云雾的缥缈，更能传递出背后的文化内涵——梅的气节、兰的清雅、竹的坚韧、荷的高洁，都在笔墨间静静流淌，让观者在欣赏画作时，不仅能看到“形”，更能读懂“意”。

 中西合璧  创新求变

罗永光的画，从不止于“形似”，更在于“求新”。他从不被传统画风束缚，总在尝试新的表达——一丛松针，别人画得整齐划一，他却故意画得疏密交错，有的长，有的短，有的直，有的弯，仿佛刚被风吹过，透着自然的野趣；几片翠叶，别人画得浓绿均匀，他却用淡墨勾边，浓墨点染，叶尖带着一点焦黄，仿佛刚经历过一场秋雨，藏着岁月的痕迹；一只昂首翘尾的喜鹊，他不用鲜艳的红色，只用淡墨勾出轮廓，用赭石色点出羽毛，喜鹊的眼睛里透着灵气，仿佛下一秒就要叫出声来；一只闲散步的鹭鸶，他用极简的线条勾勒身形，鹭鸶的长腿纤细却不软弱，低头啄食的模样憨态可掬，让人忍不住想笑；一群蹦跳的小鸟，他不用细致的描摹，只用几笔点染，小鸟的身形小巧灵动，仿佛在纸上蹦来蹦去，充满生机。

最让人眼前一亮的，是他笔下的和平鸽。受西画写实手法的启发，他画的和平鸽，身形更显饱满，羽毛的质感更细腻——阳光落在鸽身上，羽毛的明暗变化清晰可见，鸽子的眼睛里映着天空的颜色，仿佛能看到蓝天白云。但骨子里，仍是东方韵味——他不用西画的油彩，只用中国的水墨和颜料，墨色的浓淡代替了光影的明暗，线条的流畅代替了笔触的厚重，鸽子的姿态舒展优雅，翅膀仿佛带着风，传递出“和平”的美好愿景，既有西画的写实，又有中国画的写意，中西融合却不生硬，让人眼前一亮。

风格淬炼  意蕴独具

懂罗永光的人都说，他的画，“留白”最见功力。他从不把宣纸填满，总在恰当的地方留下空白，那些空白不是“未完成”，而是“意犹未尽”，像一首诗里的省略号，让观者自己去想象。《雁去秋来冬眠香》里，他只在宣纸的左下角画了几株寒梅，梅枝虬劲，梅花清雅，而宣纸的右上角，全是空白——那空白是冬日的天空，是飘落的雪花，还是等待春天的期盼？每个人都能读出不同的味道，有人说那空白里藏着“寂静”，有人说那空白里藏着“希望”，有人说那空白里藏着“乡愁”，留白让这幅画有了“言有尽而意无穷”的韵味。

《潇湘四面风来急》里，他用洒泼墨的技巧画山水——浓墨、淡墨、破墨在宣纸上交织，山峦的轮廓若隐若现，江水的波涛仿佛在涌动，而画面的中间，留着一片淡淡的空白——那空白是风中的云雾，是江面上的水汽，还是潇湘的烟雨？看着那片空白，仿佛能听见风声呼啸，能感受到水汽扑面而来，能想起“潇湘烟雨”的诗意，空白让静止的画面“动”了起来，有了身临其境的感觉。

最让人难忘的，是《乐天图》。画面的下方，他画了几株矮树，树干粗壮，枝叶稀疏，树下坐着一位老者，手里拿着一支笛子，嘴角带着笑意；画面的上方，只在远处画了几只飞鸟，小小的，淡淡的，而中间的一大片宣纸，全是空白——那空白是天空，是田野，是远方，还是老者心中的“乐天”？飞鸟把空白衬托得广阔无垠，仿佛能装下整个世界，老者的笑意里藏着“知足常乐”的豁达，空白里藏着“海阔天空”的哲理，让人看着看着，心里就变得平静，仿佛也跟着老者一起，享受着这份“乐天知命”的从容。

唐诗古韵  国学智慧

熟悉罗永光的人都知道，他的画看似“信手拈来”，仿佛不用费力气，实则背后是深厚的国学功底。他从小就爱读古诗词，《唐诗三百首》《宋词三百首》大都能背诵。李白的“飞流直下三千尺”让他懂了山水的气势，杜甫的“感时花溅泪”让他懂了花鸟的情绪，苏轼的“竹杖芒鞋轻胜马”让他懂了人生的豁达。他也爱读《论语》《道德经》，孔子的“仁者乐山，智者乐水”让他懂了书画的初心，老子的“道法自然”让他懂了艺术的规律。那些国学经典，不是他炫耀的资本，而是他艺术创作的“底色”——画梅时，他想起“零落成泥碾作尘，只有香如故”，梅的气节便更浓；画兰时，他想起“兰生幽谷无人识，客种东轩遗我香”，兰的清雅便更纯；画竹时，他想起“千磨万击还坚劲，任尔东西南北风”，竹的坚韧便更足；画荷时，他想起“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”，荷的高洁便更真。

他笔下的静物，也藏着国学的智慧。有时画一只空碗，碗的线条简单流畅，碗里没有水，没有饭，只有一片空白——那空碗像极了“虚怀若谷”的君子，空着，才能装下更多的东西；有时画一把空椅，椅子的轮廓质朴厚重，椅子上没有坐垫，没有靠枕，只有阳光落在椅背上——那空椅像极了“静待知音”的老友，空着，才能等到来坐的人；有时画一支空笔，笔杆笔直，笔尖磨秃，旁边放着一张空白的宣纸——那空笔像极了“胸有成竹”的画家，空着，才能画出更好的作品。这些静物，像戏剧舞台上的主角，没有华丽的道具，只有“空空虚拟”的手势，却能让人联想到很多——空碗里藏着“知足”，空椅里藏着“等待”，空笔里藏着“期待”，传递出东方文化“以虚写实，以无胜有”的独特魅力。

丹青不渝  笔下生辉

笔耕不辍几十载，丹青妙手绘春秋。罗永光的作品，早已走出了书房，走向了更广阔的舞台——多次在国内外展出，从北京的中国美术馆到上海的中华艺术宫，从杭州的浙江美术馆到国外的艺术展厅，他的画总能吸引观者的目光：有人驻足在《墨梅图》前，读出了“气节”；有人停留在《兰草图》前，品出了“清雅”；有人站在《竹石图》前，感受到了“坚韧”；有人坐在《荷花图》前，体会到了“高洁”。他的作品被许多美术馆、博物馆收藏，每一幅都带着他的心血，带着东方文化的韵味，成为连接中外文化的桥梁。

2010年，他的论文《文人画若干问题思考》获全国学术成果一等奖，同年，他荣获“文华奖”——这是对他艺术成就的最好肯定。但罗永光从不把荣誉挂在嘴边，获奖后，他依旧每天泡在书房里：清晨，他先练一小时书法，让手腕活动开；上午，他对着写生本画画，有时画花鸟，有时画山水；下午，他读国学经典，有时读《论语》，有时读古诗词；傍晚，他去公园散步，看夕阳，看晚霞，看公园里的花草树木，把自然的美好记在心里。

如今的罗永光，头发已有些花白，但眼神依旧清澈，拿起画笔时，手腕依旧稳健。他常说：“书画是一辈子的事，我还在学，还在画。”案头的宣纸换了一张又一张，砚台里的墨汁添了一次又一次，宣纸上的梅兰竹荷、山水人物，依旧透着生机与灵气——那是他对艺术的热爱，对传统的坚守，对自然的敬畏，对人生的豁达。

墨染春秋，笔蕴山河。罗永光，这位从宁波走出的书画大家，用半生心血在宣纸上书写着东方文化的魅力，他的画，如同一杯清茶，初品时是墨香，再品时是意趣，细品时是人生，让人在喧嚣的世界里，寻到一份宁静，一份美好，一份属于东方文化的诗意与哲理。