别了，巴比伦——林红油画艺术展暨学术研讨会

2025年12月27日下午，“别了，巴比伦——林红油画艺术展暨学术研讨会”在云上美术馆举行。本次展览由云上美术馆主办，中国艺术研究院油画院、厦门大学艺术学院提供学术支持。中国艺术研究院油画院名誉院长杨飞云、院长朱春林担任学术顾问，天津美术学院原美术史论系主任、教授郭雅希担任学术主持，艺术批评家井中月担任策展人。

参加学术研讨会的嘉宾有：中国艺术研究院油画院院长、博士生导师朱春林，天津美术学院原美术史论系主任、教授郭雅希，中国艺术研究院研究生院美术系教授、博士生导师王端廷，中国艺术研究院油画院副院长、博士生导师常磊，中央美术学院博士、中国美术馆研究馆员、中国传媒大学博士生导师黄丹麾，清华大学美术学院博士、北京大学艺术学院研究员、博士生导师董丽慧，北京画院理论研究部研究员、中国工笔画学会理事兼理论委员会委员马明宸，中国艺术研究院美术研究所研究员、《美术观察》国际视野栏目学术主持王红媛，中央美术学院博士、北京大学历史学系博士后、河北传媒学院教授刘文炯，中国美术馆研究馆员、中国美术批评家年会学术委员王萌，北京工业大学教授、中国文艺评论家协会会员魏运成，云上美术馆馆长孙志义。学术研讨会由艺术批评家、本次展览策展人井中月主持。

研讨会现场

研讨会嘉宾合影

中国艺术研究院油画院副院长、博士生导师常磊：

林红的作品我早已经见过，但是你有信仰这个事情我并不知道。我通过对画的读取，可以体会到这一点。尽管巴比伦这个主题，是很明显的有信仰方面的指向，但是我是通过画看到的。其实你的画里边，也没有这种明确的跟信仰、跟宗教特别明确的指向的东西。但是这里边我读取到的是一种神采、一种气息、一种难以言说的这么一个东西。我觉得这些东西其实是特别能打动人的，信仰的力量是特别能打动人的。因为什么呢？因为它来自于一种信念、一种诚恳，再往潜力上升就是一种诚恳，这种诚恳透过画面会流露出。如果是假的，是口号式的，这种东西就很难看到。它如果作为方法和口号存在就很难看到，但是如果说是作为信仰存在的，哪怕它也是一种程序。比如中世纪的那些画，圣像画的那些人，当然那个时候没有艺术家的概念，那时候偶像崇拜的原因也没有多高的技巧，但是透过简单的几何一样概括的圣像画，可以读取到敬拜的虔诚，你要说逻辑在哪儿，不知道。这就是很奇妙的地方。

但是，有一些，比如在19世纪后期的法国巴黎美术学院比如布格罗等等这批人，这批人推崇希腊、罗马那种高贵与单纯、静默与秩序，推崇这些东西。但是你看到他们的作品里面反而看不见。为什么呢？因为被世俗的东西干扰得太多了，他没有进入到这种仰视或者说信仰这样一个段位、一个层面里面去。但是如果我们回溯到他的祖师爷，回溯到巴黎美术学院这个系统，这个系统的祖师爷就是普桑，当然还有支持鲁本斯的那是另一码事。看普桑的古典主义，我们从普桑的作品中就可以读取到他对希腊、罗马，古典的形式精神和人文精神，这样一种非常真诚的膜拜。通过他的作品是可以感受到的。我说的这一点，通过你的作品相信你的信仰是很虔诚的，信仰这种力量很好。还有你的主题上也一样，你的主题上没有刻意强调什么，有些人一旦信仰什么会往那方面刻意强调，当然不是说不可以，就是往主题上刻意去拉，可以这样，但是这个显然不是根本，作为方法可以、作为途径可以，根本还在于，力量还是植根于你的信仰，不可言说的东西。

我看你作品的主题，我刚才去看了一圈，什么主题都有，所谓的风景也有、还有静物也有，还有一些人物，这个都有。你不是那种很狭窄的主题，我觉得这点也非常好。刚才两位老师也给你在作品本身提了一些意见，就是关于画方面。我注意到一个非常好的现象，在一进大厅，2025年的几张画明显比前面好，就是说你在进步，是可以看到的。从这几个主题来看，你画的风景就更轻松一些，你驾驭这种不是很严谨的自然形的时候，和你的内心贴得更近，驾驭得就更自由一点。但是你画人的时间就要稍微粗一点。当然你画人，包括你那个裹着头巾的自画像其实都挺好的。有一个很好的优点很多中国画家没有，你的画面的材质感很好，不知道你是怎么一下抓住了欧洲传统油画的那个很重要的那个点。中国的画家很多人画得很细但是没有材质感，没有那种叠图温润的感觉，但是我发现你的画面是有这种感觉，这点很好。

在主题的选择上其实可以再考量，因为每一个画家在进入到绘画的时候，主题都是一副枷锁。每个画家都要决定，就是这副枷锁在什么样的度上锁定你，你在什么样的度上突破这个枷锁，就获得某种自由，这点特别重要。你要去决定，你要决定你的画面当中的形象，你要把这个自然形推到哪个位置？你画那个自画像的时候试图拉得很近，不由自主的，可能跟过去训练系统有关系。但是当你画自然风景的时候，你内心深处某些神性和自由就升腾上来了，就变得很轻松，但到那些地方就变得很紧。不知道你自己注意到没有。因为我们过去这种训练模式的习惯，一到人，一到画人的时候，往往就是进入到一种放不开的状态，把人当成了一个非常具体的，而且还要准确表达的这么一个对象，其实未必。你的这张画画得不错，封面这张画得挺好。因为这个它的底层形式很优美，结构很优美。而且你的画面当中有很多这种，格列柯式的气质。格列柯画人物时很少刻画那么精致，你需不需要自然需要考量一下。虽然感兴趣，绘画不是认识，是体验。但是有时候也要进入到理性层面分析一下自己，要站在我的对面探讨我究竟是什么样的。有时候还是需要这样的一种考量，然后慢慢的在摸索过程当中逐渐体会。我在这说得很轻松，但我自己也做不到，都是画画的人，也是一样的，简单讲一点经验供你参考。

别了，巴比伦 布面油画 200×180cm 2025年

中央美术学院博士、中国美术馆研究馆员、中国传媒大学博导黄丹麾：

林红女士有两幅画都叫《别了，巴比伦》，这个题材就带有很强的信仰性。林红女士在画册上对此也有文字记载。他认为巴比伦是一切抵挡诱惑人心的事物的总称，是世界体系的灵性首都，其核心是让人自我陶醉和尊崇自我。

所以“别了，巴比伦”一方面是和“巴比伦”做一个阶段性的了结，这种了结一方面可能说就是彻底抛弃。另一方面可能是对旧观念的解构，或者说从东方女性的视角对此予以重新认知。西方文论上讲上帝死了，人死了，文本死了，作者死了，然后说读者也死了。所以整个西方的文化史、艺术史给我的感觉就是，总的来说还是向东方智慧靠拢。比如胡塞尔的现象学，有人说那就是中国的老庄哲学；维特根斯坦说：“说不清楚的保持沉默。”约翰•凯奇《4分33秒》这个行为艺术就是艺术家静坐在钢琴旁，不弹唱也不演奏，静坐4分33秒，这就是受中国禅宗的影响。人摆脱人生欲望除了精神信仰之外，就是回到叔本华这种方式——回到审美。我感觉林红女士“别了，巴比伦”，就找到了审美解放这一路径，西方从席勒到尼采都在讲关于审美解放的问题。我感觉林红女士还是用艺术图像和诗学精神，去远离一种世俗的困顿和迷茫去实现一种精神的救赎和升华。

她的画我也认真看了一下画展，她的《别了，巴比伦》系列油画作品，有挣扎、有矛盾、有困惑。因为她的画里也一方面向鲁本斯致敬，另一方面向堪培拉技法学习。我在画展现场听到一个观众说这个西瓜画得特别像，每一粒西瓜籽都能画得清清楚楚。我在鲁美当老师时，听说伊维尔两次到鲁美讲学，当时他画的鸡蛋、鸡蛋壳等静物惟妙惟肖，那非常牛。我在1999年（彼时我33岁）写了一本书叫《新表现艺术》，这是当时张晓凌先生主编一套“中国当代美术现象批评文丛”（共十本书）之一。我写的是《新表现艺术》，还有一本叫《新古典》，应该是余丁老师写的。所以我们可以把林红女士的这些作品叫新古典、后古典或当代古典，因为一方面她要挪用经典，包括鲁本斯、堪培拉。比如《马其顿的呼声》等作品题材切入点非常好，艺术家总要有点精神信仰。我们现在确实信仰越来越迷失，因为现在是一个技术时代，又是一个消费时代，也是一个符号崇拜的年代。所以人不是被物欲驱使，就是被利益所绑架。所以人都活得急匆匆，这和艺术规律和艺术境界相去甚远。从这点上来说，林红女士用艺术精神主题来驾驭她的美术作品、进行油画创作非常难。人还要给自己心灵留下那么一片净土，这是她油画主题的可敬之处。

从图像学和风格学上来说，所谓新古典或者后古典，就是挪用一些古典主题，包括意大利文艺复兴以来的经典题材，还有就是林红女士对古典绘画技巧（比如堪培拉技法）的继承，也就是说一方面在题材上面予以继承，另一方面在古典主义技法上进行研究。林红女士游览了很多国家，她到国外去学习古典的油画技法，对其中的经典主题都进行吸纳。

西方油画包括肖像、风景、景物三种题材，她的人物画比如《别了，巴比伦》《旷野中的自画像》就是把两种题材即风景画和肖像画整合到一起，当然对此画得比较早的是塞尚，他的《大浴女》把人体放到到树林之中，实现了人与环境的有机统一。我感觉林红女士有强烈的东方主义情怀，或者是生态学的思考，西方称之为“反人类中心主义”。我想林红女士还是要把人和自然这种亲和性、对话性完美地整合到一起。所以中国古诗写的非常好：“我见青山多妩媚，料青山见我应如是”。欧洲的这些汉学家、哲学家都认为论科学技术欧洲可能走在中国人前。但是论人和自然以及生态思想，东方人、中国人是走在欧洲人前面的。论绘画观念我们也走在西方前面，比如宋代就有“三远法”，就知道有四时、四季的变化。所以《林泉高致》上说得很清楚，春夏秋冬的景色是不一样的。西方在18世纪末期才认识到一个景物在早晨、中午、晚上的光线是完全不一样的。这个说明什么？东方的智慧对西方人是有非常大的贡献。我们经常说西方进入现代艺术、当代艺术以来，这些汉学家对东方的理论开始关注，他们开始研究中国，而且我们的园林在17世纪成为英国的效仿对象，我们的陶瓷在明代出现了外销瓷，克拉克瓷也走向欧洲，他们的皇室、贵族对对此青睐有加。我刚才谈到的西方行为艺术，也是受东方思想的影响，如从约翰•凯奇到艾伦•卡普罗等行为艺术家都从东方智慧中受益匪浅。

所以说林红女士还是强调一种东方人的东方情结。我看她有一幅画名叫《谷中清泉》，我就感觉这和中国山水画的境界特别相近。中国人说“何必丝与竹，山水有清音”，她的《谷中清泉》我看完感觉那种沁人心脾的东方美学意韵和意境，马上就出来了。

她的静物画强调写实主义，一定要把图像和真的物象甚比一比，具有西方超级写实主义或照相写实主义的特点。她的这种写实功力就是要和摄影术比高低，这种技法的精湛性很令人钦佩。现在很多人都在谈“绘画已经死亡了”，但是她还是执着于对物象自身逼真性的研究，我感觉这其实上也是一种反潮流，大家认为似乎这个已经过时了，但是林老师还在孜孜以求，这的确令人敬仰。

她的人物画除了和自然、风景整合到一起之外，对人的内在精神的把控也是很准确的。实际中国美学对此说得最清楚，那就是“以形写神”。东方的人物画的“以形写神”造型观和西方肖像画的所谓严谨性，在她的作品中我感觉区别不是很大。但是她画中的某些人物神态和内心世界既有一些焦虑，又对现实有一种无奈。她的纯粹的风景画比如《启示录•拔摩海岛》，色彩很纯净，用了大量偏冷的颜色。但是我们仍然可以看出，她还是对“人类中心主义”进行了批判。

天空之城•梅黛奥拉的修士 布面油画 160×120cm 2018年

清华大学美术学院博士、北京大学艺术学院研究员、博士生导师董丽慧：

谢谢大家！我有点不太一样，提前做了一个PPT，是因为郭老师找到我的时候，给我布置了一个题目，说你从女性艺术跟信仰有关的角度讲一讲，我想这个还挺难的，王老师知道发文章属于偏敏感型，不太好写。然后还有一个原因，郭老师说会有谁谁谁会来，比如王端廷老师会来，我一下又紧张起来了，我一定要做一个PPT。不知道王老师记不记得，十多年以前我博士答辩时您是评委，我始终有一种来汇报的感觉。

所以我也是精心准备，把我近期一些相关的理论研究跟各位老师作一个汇报。因为我是北大艺术学院艺术理论系的，是做艺术理论研究而不是专注于绘画的，我对艺术现场更多是一种欣赏，和跟着各位老师看画、学习，刚刚听各位老师聊我也学习到很多如何去看画。我就从郭老师给我布置的这个题目开始入手，讲一下我的一点点的研究的汇报。

第一部分是“女性”：我先谈谈对于女性艺术现有的范式和一个趋势的看法，以及其中林红老师，我认为她所在的一个位置。因为郭老师后来又跟我说这个要控制在十分钟，这个好办，上表格，表格大家一看就行了，不用挨个讲了。

这个是我梳理出主要的，目前市面上女性主义的理论，从20世纪70年代开始，艺术，理论更早一些，后面四种共同反抗的是上面黑色父权制。

理论有点枯燥，看作品，通过作品呈现三代女性艺术和理论。其实她们是同步的，从70带开始，像最熟悉的朱迪•芝加哥，明确主张女性主义，女性、女权，女性艺术的女艺术家。她的理论背景、底层背景跟自由主义是特别对应的。紫色这一栏反对父权制，她对性别关系的主张，她也认为男女是不同的，跟父权制不同，父权制认为男女不平等，男尊女卑，天经地义。但他认为男女是平等的，而这种平等通过后天的学习可以实现知识上的平等。代表的是伍尔夫、波伏娃。简单说，朱迪•芝加哥认为女性也是半边天，这件《晚宴》是一个装置作品，为历史上伟大的女性预留了席位，就像是最后的晚餐一样，三边各自有13个坐席。这是我定义的第一代女权主义的艺术家。

更往后一点，这位也是已故艺术家史尼曼，刚刚过世不久，她也是后来被追封为威尼斯金狮奖最高的奖项。她年轻时在60、70年代是非常激进的，更往后发展就是激进女性主义，逻辑就是紫色这段，她也主张男女不同，她认为男女不平等，是完全把父权倒过来了，她认为女尊男卑，所以她展示生理上女性的优势，代表的是米利特等，有一批这样的艺术作品出现，展示她的身体，然后一些行为艺术，这是第二代。

更年轻一点的，其实也不年轻，40年代的艺术家，她在那代基础之上进一步推进和超越，这叫第三代女性艺术，从展示身体到展示劳动，比如以玛丽•凯莉为代表，她做了一组产后文件，她用6年的时间孩子6岁，从孩子出生到孩子6岁，把私人作品做成一个展览，今天这种展览挺多的，女性艺术的经典手法，她挑战的是女性家里私人的劳动可不可以称之为劳动。她的底层逻辑是70年代在英国兴起和流行的社会主义女性主义，主张男女性别关系是平等的，只是社会劳动分工不同。家庭的劳动也是一种劳动的分工。

以上三种应该是目前我们常见的女性主义理论的三大范式，它在西方艺术史上六七十年代女性主义运动里都有体现。今天不停的有复刻。之后比如50后，像CINDY SHERMAN的自拍，自我消费时代扮演，已经超出仅仅局限女性的话题了，这样的手法已经影响到比如这边男性的艺术家，已经不分性别了，可统称为“图像一代”，这是70年代、80年代美国一个后现代艺术群体流派。这可以对应到艺术理论上，90年代之后一直到今天，在西方比较流行的“后女性主义”，主张跨性别甚至多元性别。代表理论家像朱迪斯•巴特勒等。但这在现实生活中会造成许多实际的问题，这也是今天社会面临的问题。

而除了上面三种女性主义艺术的范式，还有一支女性艺术家参与较多的艺术脉络，我们有时候称之为生态女性主义，但这些艺术家往往并不是特别强调自己女性的身份，而更专注于默默修复自然、关爱大地。比如Agnes Denes，她是比较早做生态艺术的，种树、种地。她本来是一个女诗人，1982年在美国国家艺术基金的支持下，改造了一片身处纽约华尔街金融交易市场的垃圾地。她通过种植小麦的方式，实现了人对于地方的改造，发挥人的能动性，而同时又能够遵循大自然的某种天然的规律。

类似的这种反映大地、土地的作品，让我想到中国已故的油画家徐晓燕，她的画有很深的土地情结，比如“乐土系列”，画大地的创伤、废墟，土地的伤痕，其中透露出一种关爱、修复、关怀生态的视角。

我又注意到林红老师作品里，比如她《旷野中的自画像》，比如《别了，巴比伦》，她特别关注对于土地、对于大地的合一的感觉，而不是割裂之感。比如《旷野中的自画像》，特别让我想到了，刚过世法国理论家布鲁诺•拉图尔在2015年出的一本书叫“朝向盖亚”，他用古希腊大地女神盖亚来命名整个地球生态系统，而不仅把地球当做一个没有生命的东西。而林老师的这件自画像，也让我感觉她画的不仅仅是她的自画像，也不仅仅是一个人，不仅仅是人和风景分开的一个画面，而是她本身就成了盖亚的化身，人地合一，她成为大地的代言人和大地的修复者、疗愈者，而疗愈自己同时也是疗愈大地的一部分。这也特别让我想到生态艺术、大地艺术跟传统油画之间的联系。在林老师的作品里面，我发现她除了对土地的关怀还有天空，我这里给林老师的作品加上了一个背景，我觉得并不违和，这个背景是一件经典的大地的作品，Walter De Maria在美国的旷野里竖了很多金属杆，当有闪电的时候会沟通天地之间，造成巨大的奇观，整个天空成为了画布。我所领悟的含义是，人能创作的，能做的艺术的花哨的东西是有限的，人生天地间，或许可以作为一种沟通天地的媒介，或者叫灵媒，并不是非要去创造什么，而还能仅仅是去呈现，让自然力如其可是的呈现。对不可抗力如其所是的呈现，也是生态艺术的一种创作方式。这是哈里森夫妇晚年的作品，他们成立了“不可抗力研究中心”，就是以艺术的方式，呈现仅靠一人、一国、单方面的力量无法去表达、去抗拒的这种自然之力。比如全球性的流行病，它是不可抗力，怎么去表现它、表达它，以及如何在自然面前保持谦卑的同时，又不忘发挥人的能动性，去进行积极的修复，这也是生态艺术的一个趋势。

第二部分是“灵性”：我还是顺着郭老师给我布置的作业，讲讲跟信仰有关的艺术创作。我看到林红老师的写作中也特别提到“灵性”这个词，而我想，重新找回“灵性”的维度，也是“当代性”艺术理论的一个题中之意，也就是寻找在“感性”和“理性”二分法之间、之外的某种我们暂且可称之为“灵性”的艺术逻辑。

就“当代性”艺术理论而言，虽然其中相关子理论很庞杂，但它们的共同点、共通点、共同针对的一个问题，就是对“现代性”和“后现代性”的一个超越。这里我列出了一个表格，可以看到目标、结果这一栏里，已经证实无论是“现代性”还是“后现代性”，如果我们简单的把现代理解成线性单一标准的建构、把后现代理解成碎片化破坏式的解构的话，可以说，他们都失败了。而“当代性”正在生成之中，我们还不知道它能不能成功，但这是21世纪以来很多理论家共同的畅想和一种基于后现代解构的精神重构，它要寻找的是包容他异性的整一性，既不是同质化的整体性，也不是碎片化的差异性，而它的理论逻辑从博弈论角度看，是要追求正和而非零和甚至负和博弈，这不仅需要勇气，还需要智慧。

理论主张我就不多说了，如果说现代主义艺术走上了第一条道路，即想要建构一个唯一标准的道路，后现代主义艺术则走上了第二条道路，即解构所有宏大叙事的道路，那么，具有“当代性”的当代艺术共同探寻的则是第三条道路，它不是非此即彼的，或者说它是要超越非此即彼的，在理性、感性之外，寻找灵性的可能性——目前我们还不知道如何用更学术的语言去描述“灵性”，因此只能先借用“灵性”这样一个说法。林红老师也说“人类自我救赎幻想的破灭，靠巴别塔无法通天，靠巴别塔的财富无法通天”，这让我想到，超越人类中心主义和走出人类世的必要性。我们知道，“人类世”也被称为“资本世”，而像唐纳德•哈拉维等学者就进一步提出在此之外的“共生世”的可能性。

最后一部分是“共性”，这是我今天讲述内容的一个总结：我认为，无论是“女性”还是“灵性”艺术，更重要的是，我们要在有各自的主体性和个性基础之上，在有分别心的基础之上，要回到一个“共性”，就是“无问西东”的重新寻回一个“共同体”的可能性。

我很喜欢林红的这组静物，不知道为什么，如果非要找到理由，那也许可以说是我看到了其中罗兰•巴特说的某种“刺点”。比如手串上面的小小十示符号、有大卫星的小帽子、朴素的荆冠等等，可称之为“灵魂的刺点”。这让我想到夏尔丹的静物。夏尔丹也是学院派画家，他画普通的面包、日常用品，可是这里面总能体现出一种高尚的神性（或灵性），一种精神性。他的静物往往有一个刺点，就是那把餐刀。也有学者从这个角度结合18世纪启蒙时代，之前的英国工业革命和之后的法国大革命的时代语境去解读，认为这把餐刀是刺破一个旧时代、开启一个新的时代精神的隐喻。我们知道“启蒙”（Enlightenment）它的词根里就有光，就是刺破黑暗、让光进来，餐刀就起到这样的作用。而在林红老师的作品里，我也看到了某种同构性，虽然它不是刀，但能让人能够感受到光的存在。所以，最后我想说的是，无论我们每个人的信仰是什么，可以是某种宗教，也可以是其他的信仰，但最终令人动容的，一定是一种共通的灵性之光，这是艺术的力量。

谢谢各位老师！

马其顿的呼声 布面油画 160×160cm 2020年

北京画院理论研究部研究员、中国工笔画学会理事兼理论委员会委员马明宸：

今天也是抱着学习的心态来参加林红老师的活动，祝贺林红老师这个展览成功，也向各位油画家、向各位搞西方美术史的老师们学习。我平时在北京画院做中国画研究相对多一些，对油画尤其当代油画创作接触并不是特别多，但是也平时有关注、有思考，具体的活动、具体的个案接触得少一点，所以我谈点浅见，大家多批评。

油画作为一个西方的外来画种进入中土之后，它开始在民国时期以它的写实性引发了与中国画的一个强烈对比，也刺激了中国画回归自己写实传统的一个倾向。到了新中国成立之后油画的长处得到了发挥，因为它适合以宏大叙事为主，尤其它的大场面描绘，所以它是新中国美术史前30年的主角，具有压倒性的趋势，油画创作适合表政治主题，这段时期是油画发展在中国20世纪的一个高峰时刻。到了新时期之后，因为失去了政治属性的依托油画发展逐渐往下行，记得80年代的时候文艺主题面临转型，当时油画的情况更严重一些。油画如果没有政治主题的支撑之后，画什么，表现什么人物包括叙事性，当时对中国油画是一个非常严峻的考验。我们今天的油画家大部分都在画风景写生，因为风景画的主题表现相对不用特别限定，所以成为今天油画创作的主流。

所以从这个大背景来看，林红老师的作品的确有很大的独特性，不说是逆行者起码也是一个另类。因为我们的油画艺术在前100多年的传统里面，形成了“油画民族风”，这是中国油画的主流，大家都在探讨油画与中国本土的审美观念、表现技法相结合这个方向。我们看林红老师的油画艺术，她的这个方向的确是让人看了耳目一新。说她是一个逆行者，因为大家都想把油画往中国文化背景里融合，但是林红老师又把油画还原到西方文化里面，一个中国油画家，在这个画种经过100多年发展以后，再拉回到西方文化语境里，这给我很大触动。

林红老师对于回归表现在几个方面，一个是刚才几位老师也都说了，她常年的旅行写生或者说是一种精神朝圣也好，另外她大量临摹西方古典名作，这从她的画面里能看出来，积累了很大的量。同时她从更深的文化、宗教层面的一种涵养，这种层面使她对创作底蕴的营造方面就比别人走得更深厚一些。所以我们看她的取材、她的语言都非常平实，没有特别大的材料技法炫耀，她的用色很平静、很平实、很浅淡，她把重心放在题材和主题的寓意性上。她的大部分油画创作都是有背景的，都是西方的背景，有西方的文明古迹，也包括静物里面偶尔有一点十字架形象，还有一块用画面当背景，这种方法把西方文化符号加进来很有巧思，而且她这个清洁也非常重。西方的文化符号并不是一个简单的形象，因为西方文明作为人类优秀文明成果之一，它有非常重要的寓意和象征意味在里面。所以林红的作品画面虽然很平实，但是文化意味是深厚的，她让我们体味到西方哲学里面这种宗教感，包对人生的意义、价值的思考，确实不同于中国画给我们能带来的这方面的感染力，我觉得确实是很浓重。包括她的画里面有崇高、有壮丽这种审美倾向，所以我认为她这种角度和这种方向非常独特，这个方向值得肯定，也对我们今天油画发展，大家怎么画、怎么走也提供一个非常重要的启示。

另外如果提一点建议，这个方向很好、可以强化，还可以更加的深化，就是把画面的整体格调、主题性表现更加强化，把符号弥散为整个画面，像《旷野中的自画像》我觉得特别好，它的寓意性，它的表现方式很简单，一个人物后面一个大背景。还有人物和背景的契合关系，画面之外的寓意性很厚重。其他创作还可以把符号性寓意更加弥散于整个画面，使画面表现整个再强化、再集中一些。像刚才王老师也说，像油画它是重武器可以在构思和锤炼上，把更多的思考放进去，这是一个方面。说到这里，北京画院也有一个画家王文芳先生，他用国画来画宗教情感，也跟林红老师这个路子很相像，他在疫情期间故去了，另外还有李可染先生之子李小可，他晚年也是迷恋于西藏题材，画西藏的山水和宗教情感。像王文芳的作品就更凸显、更集中，他把经幡这种符号处理得更加统一一些，这样画面的震撼力、主观表现得就更强一些。我就说这些，不当之处大家批评。

展览信息

展览名称：别了，巴比伦——林红油画艺术展

学术顾问：杨飞云 朱春林

学术主持：郭雅希

艺 术 家：林 红

策 展 人：井中月

艺术总监：孙志义 林建寿

视觉设计：贺菲菲

媒体宣传：汪 洋

学术支持：中国艺术研究院油画院 厦门大学艺术学院

主办机构：云上美术馆

开幕时间：2025年12月27日16：00

研讨时间：2025年12月27日13：30-15：30

展览时间：2025年12月27日—2026年1月8日

周二 – 周日 Tue.-Sun. 9:00-17:00

展览地点：北京市朝阳区高碑店文化艺术新街1704号云上美术馆

ARTIST

艺术家

林 红

毕业于厦门大学艺术学院，结业于中国艺术研究院油画院。

近年来，举办奇异恩典、金色的耶路撒冷、马其顿的呼声、别了，巴比伦等个人展览。

CURATOR

策展人

井中月

毕业于天津美术学院，获硕士学位；任职于中国艺术研究院油画院。

长期致力于现当代艺术的研究、策展、创作，发表学术论文近百篇。主要论文：《一切历史都是观念史——作为一般文化史的艺术史学史》《风格学与图像学的争论——维也纳美术史学派的理论分野》《西方艺术“现代性”的两条路径——现代主义与前卫艺术》《现代主义本质——格林伯格式艺术叙事》《西方艺术史叙事中的“再现”转向——模仿、再现主义、仿像》《艺术之后的艺术——艺术终结论的产生与艺术史叙事的转向》等。独立策划：学院里的“国王”、西域印迹、“墙”外、“草稿”≠草稿、马其顿的呼声、隐喻与知觉、创造性生长、异质体集群、重构剧场、古典的衍生、自然•人化等展览。艺术创作：要有光、星丛、无人区等系列，曾举办“当世界独有天地——井中月观念绘画巡展”、“非同一性的星丛——井中月未来艺术巡展”等。