2026年7月14日至2027年1月31日，UCCA尤伦斯当代艺术中心呈现“卡斯滕·霍勒：双”。本次展览为艺术家卡斯滕·霍勒（1961年出生于比利时）在中国举办的首个机构个展，汇集一系列代表性作品与最新创作，其中包括多件艺术家为UCCA北京特别创作的全新场域特定作品。

展览以独立的作品与影像呈现，而其整体本身亦自成一件完整的作品。进入展厅前，观众被随机引向彩色或黑白两个平行展区，他们在此所面对的并非截然不同的路线，而是两个互为参照的平行环境：作品、空间与观看方式于两个半区对应展开，却又不断显现差异。沿着这一结构，成双与平行的可能性不断浮现，引导观众在困惑与怀疑中，重新思考那些习以为常的感知、判断与经验，并意识到现实或许并非只有一种可能。“卡斯滕·霍勒：双”由田霏宇策划，UCCA助理策展人邹嘉澍协同策划。

卡斯滕·霍勒拥有农业科学教育背景，并于20世纪90年代初转向艺术创作。他长期关注“双重”这一意象：与自身相似又有所区别的“另一个存在”，并引发关于相似与差异、偶然与选择的思考。实验既是霍勒展开创作的方式，也是其作品持续探讨的对象。他邀请观众主动参与其中，通过与作品的互动进入兼具游戏性、迷失感与反思性的体验。在三十余年的艺术实践中，霍勒始终关注“怀疑”所蕴含的可能：将不确定性视为想象与新知得以发生的催化剂。本次展览也由此被艺术家称为一座“怀疑实验室”。

在双频影像作品《双胞胎（东京、纽约、巴黎、圣地亚哥、维也纳、比利时、伦敦、米兰、桑坦德、北京）》（2005-2018）中，来自世界各地的多组双胞胎作出彼此矛盾的陈述，形成一个无从解开的谜语。外貌相似所带来的确定性与秩序感，逐渐让位于暧昧与不确定，也让人意识到我们用来明辨现实的种种预设其实并不稳固。

同样，在《滑动门方阵》（2026）中，观众将穿过一条由镜面自动门组成，仿佛不断延伸的通道。镜面的映像随着观众前行而不断变化；当来自相反方向的其他观众突然闯入视线，这些原本连续的映像也被打断，使人一时失去对自身、他者与空间关系的判断。

这种不确定感也贯穿于《胶囊时钟》（2026）的两个版本：机械装置每隔三秒将一粒“内含物未作说明”的胶囊投放到地面，而三秒也恰是人们感知“当下”的时间长度。随着展期推进，这些可食用的胶囊逐渐堆积成一座隆起的小丘。作品介于医疗装置与开放性设想之间，以药片的持续累积，令时间在空间中逐渐显形。当观众将注意力停留于这些作品时，时间的流逝是否会随之呈现出另一番面貌？而吞下一粒胶囊，他们对世界的感知又是否会发生微妙的变化？

《六十进制时钟》（2026）与《十进制时钟（鲑鱼粉与诺维亚金）》（2021）继续展开对于时间偶然性的思考。两件作品分别置于大展厅两端，以非常规的方式重新演绎我们习以为常的计时系统。

《六十进制时钟》摒弃了传统的数字与指针，以层层叠叠的霓虹光环标示小时与分钟；《十进制时钟（鲑鱼粉与诺维亚金）》则以十与百为单位重新度量时间——这一计时体系曾在法国大革命时期被短暂采用。两件作品共同提示着我们：那些帮助我们理解过去、规划未来的时间制度，并非天然如此，也并非恒久不变；它们始终可以被重新改写，并由此开启理解时间的另一种可能。

“游戏”是贯穿于本次展览的另一条重要线索。霍勒邀请观众暂时脱离美术馆惯常的观看方式，却又不断消解人们对于游戏所抱持的轻松与愉悦的期待。例如，在《倾斜旋转飞椅（五种颜色）》（2026）与《倾斜旋转飞椅（两种白色）》（2026）中，艺术家借用大众熟悉的游乐设施，将其变为一种带有深思意味的体验。两件作品分别置于大展厅两侧，以近乎停滞的速度朝相反方向旋转。观众一旦乘上飞椅，便会被暂时“困”在作品中，必须等待完成整整一圈才能离开。在这一过程中，他们既成为作品的一部分，也成为他人观看的对象。两座旋转飞椅为艺术家为本次展览特别创作，延续了霍勒艺术实践中持续探索的重要母题。

“游戏”的线索在展览其他部分通过偶然与奖赏机制持续展开。巨型大理石雕塑《骰子（中国大理石）》（2026）将骰子这一与运气相关的日常物件放大，以孔洞取代原本标示点数的圆点，观众可以攀爬进入作品内部，最终抵达中央的中空球体。作品回应了当代生活中人们对于确定性与可控性的执着，并将偶然与不可预测重新带回日常经验。

于UCCA Open Gallery呈现的《北京圆点》（2026），则将观众置于一场由移动光点组成的游戏。作品追踪观众在空间中的行动，并将人与人之间的互动纳入一套游戏规则：参与者所获得的颜色会随着各自的行为被“升级”或“降级”，从而产生“奖励”或“惩罚”。

与瓦利亚·费季索夫共同创作的《水闸》（2026）也类似一场互动游戏，但这场游戏并非出于参与者自愿：两组透明滑动门看似为观众提供了一条穿越展览的捷径；然而，当他们进入第一组门围合出的空间后，第二组门却不会启动，观众由此被暂时困在其中。只有当他们从门外观众那里获得提示，或自行发现需要保持静止、不做出任何动作达30秒时，第二组门才会打开。

如果独享一夜美术馆空间，会发生什么？又将唤起怎样的梦境？在《两张漫游床（灰色）》（2015）中，两张相同的机械床于展厅内随机移动。观众可以预约参与漫游床特别项目，床体搭载的绘图装置在体验期间于地面描摹出连续的行进轨迹，使移动转化为一幅由身体、时间与空间共同生成的图画，观众在醒来后将看到自己于睡梦中留下的路径。此外，作为展览这一特别体验的一部分，观众还将获得艺术家特别制作的牙膏《非理性》。

《光墙》（2000/2026）与《光墙（红与蓝）》（2026）借助闪烁的灯光与富有律动的立体声，引导观众进入一种近乎同步的感知状态，并令其产生视听上的幻觉体验。值得注意的是，《光墙》虽仅由白色灯泡构成，却能使观众在观看过程中觉察到色彩；当观众闭上眼睛并靠近作品时，这一感觉尤为明显。

类似的感知偏移也出现在《旋转的鹅膏菌（黑白）》（2026）：一个黑白蘑菇模型在高速旋转中生成幻象，使观众从单色中看见色彩。而在另一半彩色展区，与之对应的《旋转的鹅膏菌（彩色）》（2025）则以接近真实形态的色彩绘制，并以相同速度持续旋转。

本次展览的其他作品体现出霍勒对于实验、重复与再现逻辑的长期关注。在“分割”系列（2018-2026）中，艺术家以“分割”为基本原则，通过线条与逐渐降低饱和度的色彩，将画布反复一分为二，生成在层层递减中趋于细密的视觉结构。这些作品遵循一套固定规则，如同视觉实验，于有限的画面内推演出无限的形式变化。

《我母亲的气味》和《我父亲的气味》（均为2017）则将遗传与基因分裂的逻辑转化为一种嗅觉经验。艺术家重现了父母各自的气味，并将其置于展厅长凳下方扩香器内；随着气味在空间中缓缓扩散，观众仿佛承载着艺术家母亲或父亲的气息；关于血缘、相似性，甚至人与人之间吸引力的种种问题，也随之浮现。

《巨型三重蘑菇》（2024）将三种蘑菇的放大剖面层叠组合，使不同形态在此相遇。这件大型雕塑一方面呈现了真菌世界丰富而复杂的生命形态，另一方面也引导观众重新思考：蘑菇迥异的形态、颜色与化学成分，究竟如何形成，又在生命演化中各自发挥着怎样的作用。作品延续了霍勒对于生命形成过程的长期关注：同一个生命源头，如何孕育出如此不同的形态？作品同时也提醒着我们：即便对自然世界进行了最细致的观察，人类也仍无法穷尽其中的惊奇与未明之处，认知的边界依然存在。

在“卡斯滕·霍勒：双”中，由观众参与才得以完成的装置、调动感官的环境，以及介于趣味与不安之间的体验彼此交织，共同构成一次关于“双重”及其多重形态的探索。观众穿行于不断变化的路径与实验情境之间，也在一次次感知经验中重新思考：相似是否必然意味着一致，看似矛盾的事物如何并存，熟悉的边界又如何被重新划定。在这里，怀疑成为重新想象世界的起点。