中国的绘画艺术与书法就有血肉同源的关系。最早的中国汉字，是由象形文字演变而来，因而结构特殊、线条复杂附有变化。为求书写上美观，经过历代先辈的苦心创造，创造出了很多变化多端的书写字体。

中国的绘画主要以点、线、面三结合来表现其基本的造型，而在这三种基本要素中，能充分表现出“律动”和“气韵”的，也只有线条才可以做到。我国书法的线条美在世界上可说是别树一帜。因而就成了独立的一种高雅艺术，也只有中国的书法，才可以悬在客厅当画(艺术品)来欣赏玩味。悟道自我行我法，随意弄墨抒墨情。融众法为我所用，师造化以抒己情。我国的书画艺术都采用的是同样的材料和工具，中国画以线为主自然就受到了书法用笔技巧的影响。外加哲学思想及审美观念，才使中国画有了独特风格而傲立于世界艺坛。中国画在一千多年前的宋代就已达到了很深的造诣，可惜元明清三代以临摹而延续毫无创新，偶有几人出现大胆革新，但整体是滞留不前的，因为当时的政府和书画的领军人物都提倡临摹古人的旧有格式，创造甚微。但中国画在宋代的艺术价值极其高超，我们的祖先那时就采用了具象，抽象、象征、变形、夸张和写实的诸多法则。如画山水的各种皴法，点苔点叶的各种画法，在这里可摘录上世纪六十年代初国画大师孙瑛孙大石先生在其《艺坛》杂志上发表的部分文章作以阐述。

画一棵茂密的大树，西洋画家对其写生，知其叶子繁多而无法片片皆画，于是他们就采用明暗的方法表现，虽有真树的感觉而缺乏艺术的价值。中国画对这棵树的表现就全然不同。树叶是圆形的，就用O去表现，如似三角形，就用△去表现、再似条形、就用囗形去表现等。而且只求其疏密浓淡和骨法用笔，不问其明暗透视。也就是只求画面上的合理，而不重视景物实际的外形。这种以简驳繁有象征意义的表现方法，该是多么的简洁，又是多么的富有艺术的独创性。

中国绘画的章法(构图)也是不受透视学和明暗投影的束缚。画一片树叶，也许比人头大上三倍，万丈高的山巅上，画其茅屋，其中的人物、也许会画出根根的毛发。在上世纪中叶世界美术论坛上，有人说中国画不懂科学。笔者在少年时期学画也有这种肤浅的看法。时至今日，在探索研究的过程中方知这才是中国民族绘画的优越性，也正是艺术的科学性。

西洋画曾钻进写实的牛角尖，而中国画始终没有进入这个死胡同。就西洋现代绘画的兴起而论，法国画家莫奈看到日本浮世绘以后才恍然大悟，其实就是看到中国画以后，因为日本画是中国绘画的支流。他在中国绘画上得到启示后创造了印象派，才有了西洋现代绘画的兴起与发展。毕加索为什么不再去研究人体解剖呢?而是把活生生的人体拆散了重组而大获成功，从这些事实来看，中国绘画的艺术价值是别于世界其它绘画艺术的，是特别伟大的，独树一帜的。中国绘画乃是抒情写意的具体表现，也是其人格的真实写照。绘画非标本也，不为物象所移，需写物外之形，得其神韵，此乃绘画修身之道也，人品高者画格自然会更高。搞书画艺术的人，最讲究人品，书品，画品，三品兼优者，方能成大器也，否则将一事无成，书画鋳情，艺德居首，人品高于画品。

中国绘画在表现技法(巧)上，因为用具单纯，利用吸水的生宣纸和绢，以尖锋的毛笔大小视水墨的多少，运用浓淡干湿及行笔的转折快慢、将腕力的肌肉感觉，直接传达到画面上，表现出中国画奇特的韵味和效果，使其产生画面上的气韵生动而传神富有生命。当然没有量的积累，也就不会有质的飞跃。笔需勤练才精，墨非苦修不神。严格讲正统的中国画是反对矫揉造作的，是将作者当时的情感思想借助于笔墨用自己的艺术语言表达出来。挥毫出于心，落墨在抒情。讲究意象造型，注重笔墨神韵。自然让我生意象，我为自然树精神。笔墨摄天地，清气留人间。挥笔在心，泼墨抒情，横扫竖抹，重在精神。只有这样才是真正的技巧，真正的功力，真正的借景抒情的艺术。中国画的色彩也非常饶趣。由艳丽进步到纯净的水墨，是以黑与白为主构成的艺术。而黑白原是色彩的两极，蕴藏着极为丰富的变化。从五彩世界化入水墨天地，奥妙无穷，充满了神秘与遐想。在光学上我们可以清晰的看到，凡物体遇明则白，遇暗则黑，这是必然现象。在中国人眼里，宇宙是万有的世界，都是相对调和的存在。而黑白两色则是一切色彩的总合，且具有其它单色所无法取代的圆满性。只要在黑白之间赋以色彩，画面色调必然统一，其色感亦必丰富。中国人所追求的美感，不是短暂的艳丽，而是永恒的存在，知白守黑，画面上所要求的是高古淡远，稳定雅静，清新庄重和格调超然，所以我们的民族绘画不重视转瞬即逝的花花世界，而追求永恒的超然境界，这在世界上任何国家都是所没有的现象。选修书画不放松，立根法在自然中。千临万绘抒胸臆，满纸雲烟出新风。

中国的绘画历史悠久境界很高，寓意深远而使后人感到高山仰止，不可企及，甚至几无他路可走。就一味的将临摹乱真为荣。以致近现代以来，虽出现了象吴昌硕、黄宾虹、齐白石、傅抱石、徐悲鸿、李可染、孙大石、黄胄，周韶华等大家，但总体上就中国的人口面积而言，无显著创作而繁华似锦。此为我国绘画史上最大的一件憾事，亦是我国绘画不进步的主要原因。关于这一点，俞剑华先生在所著《中国绘画史》一书中有这样一段感慨痛心的话语：“由于我国绘画进步极速，其后成法日多，名绩日伙，就古人之成作，临摹甚易，就造化之实体创作甚难，舍难就易，人之恒情，于是创作渐少，临摹日多。……元、明、清三代画家非不多，画绩非不伙，画论非不汗牛充栋，但十有八九出于临摹之范围，以致陈陈相因，画家俱变成印刷机，毫无新意。其间偶有一二杰出人士，思欲换此狂澜，但终以孤立无援。不胜楚人之咻，盖已积非成是，画者只知有临摹，只知有古人，若语以创新，无不惊骇却走以为狂怪。此种风气阶之历者，不能不归罪于首先提倡复古的赵子昂一派。此事为中国画道隆替盛衰之枢纽，故不惮辞费而痛论之，深冀未来之画坛，有以扫除此积弊也。”这段感慨痛心之论，真是一针见血地刺中了我国绘画不进步的要害。健笔凌雲不染尘，丹青画卷伴诗魂。横竖有节抒胸臆，撇捺无邪风骨存。改革开放以后至现在中国画坛虽出现了很多代表性的人物，但大多数在此文化复兴的基础上，几十年来此种临摹古人形式的积弊，非但没有改变，反而普遍的存在，更有甚者有些很知名的老画家都还以临摹乱真为荣而教导一些中青年。在不断的重复古人和今人之作的同时，还复制流水作品成批量的推销骗钱，中华文化之复兴云乎哉。中国自改革开放以后社会安定、交通发达，经济文化发展甚速，地球随之而缩小，开放了中西文化的激巨交流，人民的生活水平也随之改变。已迫我国的绘画，走上艰险的边缘。倘不积极创新赶上时代，就有被时代淘汰之危机!随着时代的飞速发展，我们作为当代的中国画人，一定要继承传统的笔墨精华，师法自然而再次创新者，才不负时代使命，才对得起当代画坛。自古求艺多清寒，忠贞处事不为官，失志不移游艺海，永留清气在人间。我们今天高唱当代，大喊创新，绝不是迎合时髦，或是推翻传统，而是要借古开今，继承传统笔墨意蕴，发扬艺术革新精神。弘扬水墨精华，凝聚中国画魂。沿着古人已开创的广阔大道，师法自然，向前迈进。

今天，我们欲使国画创新，首先要将我国的绘画史做一通盘的整理，把祖先的遗产深入的研究。横扫竖抹拖拉滚，悟笔写心激情深。浓淡干湿气韵在，师法自然出新风。即就是我常说的入法、研法、然后再脱法。也就是吃进去消化，再吐出来的道理。作为当代人我们要以当代人的思想观念，做适当的权衡，来建立自己的中心思想去开拓创新，万不可受西方流派的干扰，而摇摆不定，做西方人的尾巴。有人说艺术是无国界的，何必去固执这种民族狭义的观念。但我认为艺术品的欣赏是无国界性的，任何国家的好作品，都不受时空地域的限制。然而在创作艺术者而言，就必须要有民族性和地域性。

其次，中国的绘画，要有中国的精神，中国的绘画，更要有中国的风格。我们强调中国的精神和风格，正是当今画坛所强调作者的个性和风格是完全相同的。我们再以历史的经验来看，人类的一切活动，都有其可变性。如衣食住行，其方式随 时都在变，而要求舒适的目的，却永远不变。人之厌丑而爱美，也是永远不变的。

第三，从以上的了解和认识来推知绘画的可变性与不变性。如画界重视人格的修养，用笔用墨的气韵生动，夸张、变形、具象，抽象、象征等造形技法，不受透视明暗的束缚，构图新颖空灵而深远，以及线条的运用，这些都是我国绘国的优越性和不变性。我们可从古人用的圆形、三角形、条形等来象征树叶的造形观念，来创造我们现在所需要的造型或运用我国优异的线条美来构成当代的画面。我曾喊出：弘扬民族绘画精神，创造自我独特画风。提笔绘野逸，落墨铸山魂。野墨意象，我之提倡。融古纳今，气势为上。野墨意象不平凡，欲出雄奇画却难。只要我们以当代人的思想观念去紧随时代开拓创新，不再像复印机一样一味地去抄袭古人笔墨形式从事创作，我想我们的国画创作会呈现出崭新的面目，创出属于时代特色的，表现自我个性的中国当代画风为国争光。